Reframe : ripensare gli allestimenti in ottica circolare tra normativa e cultura del progetto

The balance between man and nature is fragile, a silent tension that is fading over time. The climate crisis is not a threat to the Earth, which will continue to transform independently of us, but to us who inhabit spaces, build and modify them, often without thinking about the consequences of our actions. We have created a system we can no longer sustain, a cycle destined to break if we do not learn to see more clearly. Our perception of time influences the way we act, makes us believe that urgency can be postponed, that what is temporary has no weight, that designing a space leaves no trace. But every action leaves a mark, whether it is a building, an installation or an entire city. Every designed space is an image that we choose to leave in time. But what happens if this image is out of focus? If the present is blurred and the future overexposed, the risk is that we cannot clearly read the scene before us. It is precisely the difficulty in perceiving sustainability as a tangible urgency that slows down change. Social responsibility is not just an abstract principle, but a tool to redefine the way we look at our role as designers. We need a new approach that transforms our outlook, one that allows us to see the ephemeral no longer as something destined to be discarded, but as part of a circular process. Among the areas where this change is needed, temporary installations occupy a central role. Created to last a short time, they leave behind an impact that persists. If their ephemeral nature has so far justified a low focus on sustainability, today it is precisely this transience that makes a change even more urgent. Museum displays, in particular, require a new perspective: if the museum is the place where the past is preserved, the exhibition space must also be thought of with the same responsibility, without turning into a gesture of quick, trace-free consumption. Every exhibition builds a dialogue with its context, and like every designed space, it leaves a mark. The point is to choose which mark to leave. But consciousness is not enough if it remains an abstract idea. For this change to become real and systemic, a solid structure is needed, a shared reference that can guide designers, curators and practitioners towards a more conscious approach. The norm thus becomes the means to give shape to this change, not only in its legal meaning, but as a measuring instrument, as a structure to be followed to build a new balance between space, time and resources. The word norm originates from a concept that is not only a rule, but also a tool to trace, to guide, to build a clear direction. Just as a well-designed layout finds its balance through precise choices, the norm can also become a device capable of transforming sustainability from a simple option to a consolidated practice. In this vision, photography becomes a way of interpreting sustainable design. Just as every shot needs a balanced composition, an exhibition design finds its balance through the framing of space, the regulation of the time of its existence, the process that transforms it and makes it part of a circular system. The principles of photography thus become the conceptual representation of the pillars of CAM Allestimenti, tools through which it is possible to focus on the future of exhibition design and transform it into a more conscious and regenerative model. Designing means seeing, interpreting, regulating, building. And if photography is the art of observing the world, then exhibition design is the art of shaping space, of making it part of a larger system, of building not just for today, but for tomorrow.

L’equilibrio tra uomo e natura è fragile, una tensione silenziosa che si assottiglia nel tempo. La crisi climatica non è una minaccia per la terra, che continuerà a trasformarsi indipendentemente da noi, ma per noi che abitiamo gli spazi, li costruiamo e li modifichiamo, spesso senza pensare alle conseguenze delle nostre azioni. Abbiamo creato un sistema che non possiamo più sostenere, un ciclo destinato a spezzarsi se non impariamo a vedere con maggiore chiarezza. La percezione che abbiamo del tempo influenza il nostro modo di agire, ci fa credere che l’urgenza possa essere rimandata, che ciò che è temporaneo non abbia peso, che la progettazione di uno spazio non lasci traccia. Ma ogni azione imprime un segno, che si tratti di un edificio, di un allestimento o di un’intera città. Ogni spazio progettato è un’immagine che scegliamo di lasciare nel tempo. Ma cosa accade se questa immagine è fuori fuoco?  Se il presente è sfuocato e il futuro sovraesposto, il rischio è quello di non riuscire a leggere con chiarezza la scena che abbiamo davanti. È proprio la difficoltà nel percepire la sostenibilità come un’urgenza tangibile che rallenta il cambiamento. La responsabilità sociale non è solo un principio astratto, ma uno strumento per ridefinire il modo in cui guardiamo al nostro ruolo di progettisti. Serve un nuovo approccio che trasformi il nostro sguardo, che ci permetta di vedere l’effimero non più come qualcosa di destinato allo scarto, ma come una parte di un processo circolare. Tra gli ambiti in cui questo cambiamento è necessario, gli allestimenti temporanei occupano un ruolo centrale. Nati per durare poco, lasciano dietro di sé un impatto che persiste. Se la loro natura effimera ha finora giustificato un approccio poco attento alla sostenibilità, oggi è proprio questa transitorietà a rendere ancora più urgente un cambiamento. Gli allestimenti museali, in particolare, richiedono una nuova prospettiva: se il museo è il luogo in cui il passato viene conservato, anche lo spazio espositivo deve essere pensato con la stessa responsabilità, senza trasformarsi in un gesto di consumo veloce e senza traccia. Ogni allestimento costruisce un dialogo con il suo contesto, e come ogni spazio progettato, lascia un segno. Il punto è scegliere quale segno lasciare. Ma la consapevolezza non è sufficiente se resta un’idea astratta. Perché questo cambiamento diventi reale e sistemico, serve una struttura solida, un riferimento condiviso che possa guidare progettisti, curatori e operatori del settore verso un approccio più consapevole. La normativa diventa così il mezzo per dare forma a questo cambiamento, non solo nel suo significato giuridico, ma come strumento di misura, come struttura da seguire per costruire un nuovo equilibrio tra spazio, tempo e risorse. La parola norma nasce da un concetto che non è solo regola, ma anche strumento per tracciare, per guidare, per costruire una direzione chiara. Così come un allestimento ben progettato trova il suo equilibrio attraverso scelte precise, anche la normativa può diventare un dispositivo capace di trasformare la sostenibilità da semplice opzione a prassi consolidata. In questa visione, la fotografia diventa una chiave di lettura per interpretare la progettazione sostenibile. Così come ogni scatto ha bisogno di una composizione bilanciata, anche un allestimento trova il suo equilibrio attraverso l’inquadratura dello spazio, la regolazione del tempo della sua esistenza, il processo che lo trasforma e lo rende parte di un sistema circolare. I principi della fotografia diventano così la rappresentazione concettuale dei pilastri del CAM Allestimenti, strumenti attraverso cui è possibile mettere a fuoco il futuro dell’exhibition design e trasformarlo in un modello più consapevole e rigenerativo. Progettare significa vedere, interpretare, regolare, costruire. E se la fotografia è l’arte di osservare il mondo, allora l’exhibition design è l’arte di plasmare lo spazio, di renderlo parte di un sistema più ampio, di costruire non solo per l’oggi, ma per il domani.